Presentación final / Proyectos Residencia CreArt en Valladolid
Mañana jueves 11 de octubre de 18 a 20h los 5 artistas seleccionados por CreArt Valladolid presentarán el resultado final de sus proyectos desarrollados durante un mes de residencia en la sala 221, sala negra y sala blanca del laboratorio de las artes, lava de Valladolid.
El proyecto de Miriam Navarro Prieto (Valladolid, 1992) “En cuartas y mitades“ consiste en un conferencia performativa poniendo en su boca las instrucciones dadas a los operarios del matadero en el momento de su apertura. Hugo Paquete (Aveiro, 1979) realizará la performance musical y multimedia “Obscure Radiance / Resplandor oscuro”, que gira en torno a conceptos como la sonificación territorial, la imprevisibilidad tecnológica, los sistemas y los espectros electromagnéticos; Ivana Ognjanovac (Zagreb, 1983) presenta la instalación “Rayuela”, compuesta por dibujos en grandes superficies, realizados con materiales simples como tiza, carbón, lápices, cuyo contenido guarda relación con sus recuerdos de niñez y la sensación de estar incomprendida y perdida. Los dibujos se irán desvaneciendo con el paso de los visitantes. “Rhizome / Rizoma” continúa con la práctica artística de Madeline Grammatico (Rouen, 1991) que trabaja con los límites de la pintura, considerando la misma como un volumen, interesándose por la matriz, el molde y la reproducibilidad. Por último participa en la residencia como artista invitado por el socio lituano, Artkomas, Sigitas Staniunas (Kaunas, 1965) que presenta el tríptico “City of Guards / Ciudad de Guardias“ que vincula elementos espirituales, idealistas y simbólicos de imágenes y colores con el contexto histórico y psicológico de la ciudad.
PROGRAMA DEL OPEN STUDIO FINAL / 11 DE OCTUBRE DE 18 a 20H / LAVA
18:00 h “En cuartas y mitades“ de Miriam Navarro Prieto. Sala Blanca
18:30 h “Rayuela“ de Ivana Ognjanovac y „Rhizome“ de Madeline Grammatico. Sala 221
19 h “Obscure Radiance“ de Hugo Paquete. Sala Negra
19:25 h “City of Guards“ de Sigitas Staniunas. Sala Blanca
19:45 h “En cuartas y mitades“ de Miriam Navarro Prieto. Sala Blanca
Esta residencia CreArt, es la segunda organizada en Valladolid en el nuevo proyecto 2017-2021, que cuenta con programas anuales hasta ese año en otras ciudades europeas como Liverpool (Reino Unido), Linz (Austria), Kaunas (Lituania), Aveiro (Portugal) y Skopje (Macedonia). Los programas de residencia CreArt del anterior proyecto ya fueron reconocidos como ejemplo de buenas prácticas en el manual publicado por la Comisión Europea “Policy Handbook on Artist’s Residencies. Durante esta residencia los artistas residentes cuentan con la artista local Amaya Bombín como tutora para el seguimiento de sus proyectos y la organización de visitas y actividades paralelas.
Desde que CreArt empezará su andadura en 2012 se han realizado 28 Programas de Residencias de Artistas en 7 ciudades europeas, en los que han participado alrededor de un centenar de artistas, entre ellos 18 artistas vallisoletanos: Amaya Bombín, Julio Falagán, Patricia Sandonis, Saelia Aparicio, Fernando Guijar, Carlos Sanz Aldea, Belén Rodríguez, Paco Villa, Julio Sendino, Elena Finat Sáez, Eloy Arribas, David Campesino, Pablo Giménez, María Lozano, María Tinaut, Cristina Aguado, Miriam Navarro Prieto aquí en Valladolid y actualmente acaba de empezar su residencia en Kaunas, Elisa Rodríguez.
ARTISTAS Y PROPUESTAS SELECCIONADAS
MIRIAM NAVARRO PRIETO (VALLADOLID, 1992)
PROYECTO “EN CUARTAS Y MITADES“
Entre 2013 y 2017 cursa Bellas Artes en Cuenca (UCLM). En su tercer año realiza una estancia Erasmus+ en Southampton Solent University (Reino Unido) que termina con The Mid-Year Show, comisariada por Kate Maple (Showcase Gallery) y Dan Crow (A-Space). Continúa sus estudios en el Máster Universitario de Investigación en Prácticas Artísticas y Visuales de la UCLM, contexto de Cuerpos en caída libre exposición para la que escribe uno de los textos del catálogo, y estrena a su personaje Felipe Historiador con una visita guiada paródica. Presenta su Trabajo de Fin de Máster, No me quedan euros para ver algo tan feo (genios y arte), con la ayuda de sus tutorxs Cabello/Carceller. Retoma a Felipe y añade varios personajes para poner en cuestión el concepto de genio desde la conferencia performativa.
“Bienvenidos. Acompáñenme. El Matadero General es el establecimiento de carácter municipal donde se sacrifican las reses. Del latín res, “cosa”, las reses deben ser preparadas para ser consumibles por el hombre. Estoy trabajando en una conferencia performativa poniendo en mi boca las instrucciones dadas a los operarios del matadero en el momento de su apertura. Estos métodos forman parte de la racionalización del trabajo que comenzaba a implantarse en los años treinta. Con este formato intento cuestionar la propia conferencia académica al hacer uso de sus herramientas de puesta en común de la información. Mientras mi cuerpo (específico) adopta las posturas de las reses relato experiencias que me conectan a sus cuerpos en una operación metafórica empleada para activar la empatía.”
HUGO PAQUETE (AVEIRO, 1979)
PROYECTO “OBSCURE RADIANCE“
Hugo Paquete (1979). Cursa actualmente con una beca de investigación Doctorado en Ciencia de la Música “Música como cultura y cognición” en la Universidad Nueva de Lisboa. Anteriormente cursó Máster en Creación artística contemporánea, (UA, 2014) y es Licenciado en Bellas Artes y Nuevos Medios (ESAD.CR). Ha participado como artista residente en el ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, IMA | Institute for Music & Acoustics en 2011 y 2018. Ha colaborado en proyectos premiados con los artistas Julijonas Urbonas y Chris Zigler, Festival Prix Ars Electronica 2010, XIV Festival de Artes Medias de Japón (Tóquio, 2010) Festival Media, Live 2011 Grand Prix (Turku , Finlândia). Participa frecuentemente en eventos artísticos nacionales e internacionales.
La performance musical y multimedia “Obscure Radiance” se desarrolla en torno a conceptos como la sonificación territorial, la imprevisibilidad tecnológica, los sistemas y los espectros electromagnéticos. Hugo Paquete llevará a cabo este proyecto mediante la transformación de la luz del espacio circundante y las amplitudes eléctricas en sonidos y material de composición, manipulados en tiempo real en una experimentación sistemática musical y visual performativa. Una superposición de registros de campos electromagnéticos generados en el contexto local como elementos de poder e intangibilidad, que representan el subpaisaje electromagnético de la sociedad de red tecnocultural. El objetivo es desarrollar una obra que exprese las dimensiones inmateriales de la realidad, donde el orden y la indeterminación actúan como fuerzas para construir una experiencia que se construye en los umbrales del ruido y el silencio.
IVANA OGNJANOVAC (ZAGREB, 1983)
PROYECTO “RAYUELA“
Ivana Ognjanovac es una profesional independiente de las artes con un Máster en pintura. Desde 2008 es miembro de la Asociación Croata de Artistas Visuales (HDLU) y desde 2014 es miembro del 22C ICAA (22C International Creative Artists Association). Ha expuesto su trabajo en exposiciones individuales y grupales en galerías y espacios públicos, desde 1999. Desde 2015, ha llevado a cabo cuatro proyectos en programas de residencia: 'Fragile Homes' en 'Inside Zone' Borsec, Rumania, 'Paradis' en CreArt's Kristiansand, ' Web Of Possibilities 'en' Yurta And A Lake Air 'Bel-Tam, Kirguistán e' Interdependencia III 'en' Glo'Art Air 'en Lanaken, Bélgica. En 2012 recibió el 1er Premio de la Trienal de Autorretrato en la Galería Prica, Samobor. Vive y trabaja en Zagreb.
"A través del proceso del dibujo, reflexiono sobre los sentimientos de vergüenza y malestar relacionados con los recuerdos (de la niñez), la falta habilidades para resolver una tarea, y la incapacidad para entender un contexto. Estoy codificando situaciones cotidianas, pensamientos, conversaciones a través de un lenguaje visual infantil abierto a interpretaciones personales. Mis herramientas son simplemente tiza, carbón, esponja y lápices. Los dibujos cubren grandes superficies en muchas capas con el fin de recordar la sensación de estar perdido en todos los significados posibles o la cronología de los pictogramas. Es una simulación de la situación en que se encuentran los niños, con su deseo de aprender a comprender y crecer y todas las dificultades que encuentran en el camino. Como adulto todavía puedo encontrarme en esas situaciones, pero utilizo estos sentimientos para impulsar mis creaciones, promoviendo el dibujo como un medio básico para expresar y comunicar. Los dibujos van a cambiar y lentamente se irán desvaneciendo con el paso de los visitantes.
Del dibujo descolorido en el suelo, emerge otro dibujo. Esta segunda capa es el resultado de tratar de mantener la memoria del trabajo descolorido construyendo pequeñas cercas a su alrededor que, por frágiles y temporales que sean, logran controlar los movimientos de las personas y su comportamiento a medida que entran en la instalación. “
MADELINE GRAMMATICO (ROUEN, 1991)
PROYECTO “RHIZOME“
Madeline se acaba de graduar en la Escuela de Arte y Diseño francés de Le Havre y Rouen en Normandía. Después de algunas experiencias como asistente de artistas, comienza su carrera profesional. Vive y trabaja en Rouen y París. Ya tuvo la oportunidad de exponer en exposiciones colectivas en Francia en las ciudades de Aviñón, Montreuil y Rouen. Actualmente participa en su primera residencia artística en Valladolid.
Su práctica artística se centra en la pintura. La pintura es un material y un espacio virtual. Un espacio donde todo es posible. Tradicionalmente, el gesto y la recuperación trabajan la superficie y producen formas y no formas. Esto le lleva a pensar sobre la relación entre la superficie y la imagen que produce. Le interesa cómo la imagen influye en la superficie y cómo la superficie da forma a la imagen. Cuando uno piensa en pintar uno imagina una superficie plana que representa algo mediante superposiciones. Trabaja con estos límites de la pintura. Lo que le lleva a considerar la pintura como un volumen y a interesarme por la matriz, el molde y la reproducibilidad.
SIGITAS STANIUNAS (KAUNAS, 1965)
PROYECTO “CITY OF GUARDS“
Sigitas Staniunas (Kaunas, 1965), es un artista visual que trabaja en los campos de la pintura, instalación y performance. Se graduó en la Escuela de Arte de Kaunas en 1985 y posteriormente, continuó sus Estudios de Bellas Artes en la Universidad de Vilna. Es conocido por combinar los aspectos sociales e históricos de la comunicación intercultural con las ideas de herencia cultural, desarrollo y progreso. La pintura al óleo de varias capas, creada con las técnicas de los antiguos maestros europeos pero inspirada en elementos de la cultura y el arte asiáticos, hace que su obra sea única. Su obra de arte vincula elementos espirituales, idealistas y simbólicos de imágenes y colores con el contexto histórico y psicológico. Durante el transcurso de una carrera que abarca más de 20 años, Sigitas Staniunas ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Suiza, Finlandia, EE. UU., Brasil, Indonesia, Rusia, Taiwán y otros países. Aunque su práctica habitual es la pintura, también realiza instalaciones específicas y performance en vivo mezclando pintura y música.
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